Les distorsions du 17-55 F/2.8 selon la focale et la photo d'oeuvres 2D

Citation:

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Envoyé par SRT100

Faut pas exagérer.
Certaines couleurs ne sont pas reproductibles en RGB, c'est l'évidence (les fluos, par exemple)
En impression, le spectre quadri (CMYK) est encore plus restreint (difficile de reproduire les oranges, les verts crus...)
Gardons à l'esprit que la repro n'est qu'un compromis et que le numérique a grandement facilité le travail.

Quelques connaissances techniques en imagerie ne peuvent qu'être un plus.

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Une bonne repro d'un tableau, c'est un vrai métier, pas le bricolage. Un tableau imprimer en millier d'exemplaires refusé par le peintre car non conforme à certaines couleur, tu devra assumer le coût. La repro de tableau est la partie la plus complexe. Pour certaines couleurs, on la fabrique et on passe une ou plusieurs couleurs supplémentaires. La repro d'un tableau en fonction de l'exigence du peintre, tu retrouve le même problème par exemple pour des tissus (mode). Il ne faut pas oublier la chaîne graphique complète doit être calibrée.

Citation:

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Envoyé par photogerald

Une bonne repro d'un tableau, c'est un vrai métier, pas le bricolage...

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Je sais de quoi je parle. J'ai 35 ans de pub au compteur. J'ai aussi compris que les médecins n'aiment pas que des non diplômés parlent de médecine.

Citation:

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Envoyé par Rilou

...l'expérience fait la différence.

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Tu prèches un convaincu.

Citation:

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Envoyé par Rilou

C'est en général ce que disent ceux qui ne se sont pas frottés à l'exercice.

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Qu'en sais-tu?
Je reproduis régulièrement les aquarelles que je peins. Les aquarelles sont beaucoup plus difficiles à reproduire que des peintures. Moins de contraste, teinte du papier, pigments subtils.

En gros, arrêtez de faire croire que la repro est difficile.
Difficile, c'est jouer du Paganini au violon.
Difficile, c'est grimper l'Himalaya sans bouteille d'oxygène.

A côté de ça, la repro, c'est facile. Juste un peu de technique et avoir l'œil. Et l'œil, c'est comme un muscle, ça s'entraîne.

Citation:

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Envoyé par photogerald

Un tableau imprimer en millier d'exemplaires refusé par le peintre car non conforme à certaines couleur, tu devra assumer le coût.

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Le BàT, tu connais?

Citation:

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Envoyé par Rilou

Ca se sent que tu es dans la pub, vu l'estime que tu témoignes aux imprimeurs.

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Nooon! Je m'entends très très bien avec les imprimeurs. Chacun son métier.
J'ai pu utiliser toutes les techniques d'impression à ce jour, hélio, roto, offset à feuille, typo, à chaud, screen, jet d'encre, tampon, etc. Je crois que j'en connais un bout.
Et je n'ai aucune hostilité vis-à-vis d'aucun d'eux.

Par contre, l'imprimeur doit aussi comprendre qu'il y a l'orthodoxie de la technique et le savoir-faire technique. Comme en cuisine.

Citation:

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Envoyé par SRT100

Le BàT, tu connais?

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Il existe plusieurs BAT : tirage jet d'encre, chromalin qui ne sont pas obligatoire fidèle au niveau des couleurs à 100%. Ce qui se fait aussi, être présent au tirage chez l'imprimeur et de signer le premier exemplaire imprimer.

Travaillant dans un musée, je confirme que la "bonne" reproduction de peintures n'est pas si simple que cela. Chez nous, les photos sont prises par la Réunion des Musées Nationaux qui a ses propres photographes ou qui fait appel à des prestataires extérieurs. Outre le matériel d'éclairage, ces photographes travaillent avec un dos numérique. Pour les avoir longtemps fréquentés et avoir discuté avec eux, il est évident que ce genre de photos nécessite du matériel, des compétances, de l'expérience.... En revanche, il nous arrive de faire, avec les moyens du bord, des photos documentaires, mais honnêtes, de tableaux. Tout dépend donc du degré de qualité souhaité !
Personnellement, et pour revenir à la question de départ, j'utilise DXO qui corrige très bien la distorsion (entre autres) .

Citation:

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Envoyé par photogerald

Il existe plusieurs BAT : tirage jet d'encre, chromalin qui ne sont pas obligatoire fidèle au niveau des couleurs à 100%. Ce qui se fait aussi, être présent au tirage chez l'imprimeur et de signer le premier exemplaire imprimer.

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Dans ce cas, ce n'est pas le BAT mais le BAR (bon à rouler) on dit aussi BAT sur machine parfois. On peut pratiquer les deux en effet. Moi, je ne le fais que pour la roto.
Pour les autres techniques, l'épreuve pdf de l'imprimeur me suffit. A lui de respecter sa propre épreuve.

Citation:

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Envoyé par niwen

Travaillant dans un musée, je confirme que la "bonne" reproduction de peintures n'est pas si simple que cela... .

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A toi et à photogerald,
La repro fidèle, ça n'existe pas.
Je n'ai jamais vu une seule repro fidèle à l'original en 35 ans de direction artistique.
La repro est un compromis.

Pourquoi?
Le spectre de couleur plus restreint, le type de support de reproduction, la technique d'impression, le relief, la texture, les pigments...

Note technique.
Pourquoi la conversion des images RGB en CMYK dans Photoshop est obsolète?

Beaucoup de graphistes ne jurent que par le CMYK, beaucoup d'imprimeurs aussi encore. Pourtant, la séparation In-RIP est la meilleure solution à l'heure actuelle.
Parce que chaque périphérique possède sa propre gestion de la séparation et ses propres profils.
Un conseil donc, lorsque vous intégrez des images dans une brochure, un affiche, etc. laissez l'image en RGB. Exportez un PDF avec le profil de destination si vous l'avez et laissez faire l'opérateur suivant. Vous obtiendrez les meilleures résultats.

Citation:

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Envoyé par SRT100

D


A toi et à photogerald,
La repro fidèle, ça n'existe pas.
Je n'ai jamais vu une seule repro fidèle à l'original en 35 ans de direction artistique.
La repro est un compromis.

Pourquoi?
Le spectre de couleur plus restreint, le type de support de reproduction, la technique d'impression, le relief, la texture, les pigments...

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On n' a jamais dit que la repro fidèle existait, la question est, qui doit choisir le meilleurs compromis pour être fidèle à l'oeuvre. Pour avoir un résultat optimum, la reproduction d'oeuvre d'art par la photographie est quand même un métier. Faire croire à des amateurs, qu'il est facile de faire des reproductions de tableaux, c'est faux.

Citation:

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Envoyé par SRT100

Note technique.
Pourquoi la conversion des images RGB en CMYK dans Photoshop est obsolète?

Beaucoup de graphistes ne jurent que par le CMYK, beaucoup d'imprimeurs aussi encore. Pourtant, la séparation In-RIP est la meilleure solution à l'heure actuelle.
Parce que chaque périphérique possède sa propre gestion de la séparation et ses propres profils.
Un conseil donc, lorsque vous intégrez des images dans une brochure, un affiche, etc. laissez l'image en RGB. Exportez un PDF avec le profil de destination si vous l'avez et laissez faire l'opérateur suivant. Vous obtiendrez les meilleures résultats.

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d'accord avec toi

Citation:

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Envoyé par photogerald

On n' a jamais dit que la repro fidèle existait, la question est, qui doit choisir le meilleurs compromis pour être fidèle à l'oeuvre. Pour avoir un résultat optimum, la reproduction d'oeuvre d'art par la photographie est quand même un métier. Faire croire à des amateurs, qu'il est facile de faire des reproductions de tableaux, c'est faux.

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Tout à fait !

Collègue Niwen, nous aussi travaillions avec des photographes de métier, mais suite à la réalisation d'une longue campagne photo avec un prestataire, j'ai commencé à équiper mon service avec le même matos. A terme, pour internaliser et pour éviter les recours (onéreux) à de la prestation (mêmes si les collectivités ont tendance à tout externaliser -no comment:mad::). Mais comme vous avez vu, je suis loin du compte (quoique j'ai pas encore essayé!!), d'autant que ma mission ne prévoit pas les parenthèses photo...

Bref, tout ce débat me confirme que c'est un métier. A notre niveau, on a de quoi faire de très bonnes prises de vues d'objets (que l'on donne ensuite à de vrais graphistes et de vrais imprimeurs : voir par exemple les nombreuses photos de notre catalogue d'expo ). Pour la repro, ça me semble moins simple d'obtenir un résultat ASSEZ fidèle ;)

PS : catalogue de l'expo en PDF avec photos d'objets sur notre studio : http://www.culture74.fr/images/Colle...uquotidien.pdf

Citation:

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Je n'ai jamais vu une seule repro fidèle à l'original en 35 ans de direction artistique.
La repro est un compromis.

Pourquoi?
Le spectre de couleur plus restreint, le type de support de reproduction, la technique d'impression, le relief, la texture, les pigments...

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Et surtout les dimensions, quand on prend un catalogue d'expo un tableau de cinq mètres par trois fait la même taille qu'un 50x30cm, ça induit une fausse perception qui conduit régulièrement à des erreurs d'analyses dans les études d’œuvres. C'est pour toutes ces raisons là qu'on botte les fesses des étudiants en histoire de l'Art pour qu'ils ne se contentent pas des repro et aillent voir les œuvres réelles (malheureusement sans grand succès).

Mais on est quelque peu HS par rapport au sujet initial.

Citation:

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Mais on est quelque peu HS par rapport au sujet initial.

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C'est pas grave, c'est aussi lié à la repro des œuvres et l'ensemble des problèmes que la pratique soulève.

(et en tant que floodeur aujourd'hui désintoxiqué, je ne puis rien dire!)

Concernant la question d'origine, mon but c'est simplement de faire une prise de vue suffisamment bonne (à voir avec un graphiste/imprimeur) pour être utilisée dans un modeste catalogue et pourquoi pas sur des supports plus difficiles, style kakémono pour expo itinérante. C'est peut être pas pour tout de suite, mais si j'ai l'occasion de m'y mettre, je ferai un retour.

Citation:

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Envoyé par Runi

C'est pour toutes ces raisons là qu'on botte les fesses des étudiants en histoire de l'Art pour qu'ils ne se contentent pas des repro et aillent voir les œuvres réelles (malheureusement sans grand succès).

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Quel dommage ! Rien ne remplace le contact direct avec les oeuvres. Et le plaisir qui va avec !

Citation:

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Envoyé par photogerald

On n' a jamais dit que la repro fidèle existait, la question est, qui doit choisir le meilleurs compromis pour être fidèle à l'oeuvre. Pour avoir un résultat optimum, la reproduction d'oeuvre d'art par la photographie est quand même un métier. Faire croire à des amateurs, qu'il est facile de faire des reproductions de tableaux, c'est faux.

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D'accord à 90% avec toi, les 10% restants, c'est le niveau d'exigence. Qu'entends-t-on par repro? Jusqu'où veut-on aller? Les pros de la repros mettrons un maximum d'énergie pour aller chercher le plus possible de nuances, d'autres photographes ne verrons dans la repro qu'un calaloguage de référence qui doit donner une idée satisfaisante de l'œuvre. Et là, personne ne détient la vérité.

Citation:

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Envoyé par Runi

C'est pour toutes ces raisons là qu'on botte les fesses des étudiants en histoire de l'Art pour qu'ils ne se contentent pas des repro et aillent voir les œuvres réelles (malheureusement sans grand succès).

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Un bel exemple: les nympheas de Claude Monet à l'Orangerie, je les ai vues il y a quelques jours. Vous reproduisez ça comment vous, des toiles circulaires de grande dimension sans recul réel avec une lumière zénithale? A quelle heure, la repro? Jamais une repro ne sera satisfaisante.

Citation:

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Envoyé par niwen

Quel dommage ! Rien ne remplace le contact direct avec les oeuvres. Et le plaisir qui va avec !

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Bien sûr. La vibration de la lumière naturelle sur un Van Gogh, comme au Kröller Müller Museum d'Arnhem, le seul musée à exposer convenablement des Van Gogh.

Citation:

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Envoyé par Rilou

Je frémis quand je lis ci-dessus le monceau d'âneries concernant l'impression. BàT, conversion couleur in-rip, fidélité de la repro, tout y passe... pitié.

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Pas très constructif comme intervention. Il est très facile d'envoyer des qualificatifs sans argumentation.
Comme disait Coluche, l'expérience, c'est quelque chose qu'il faut faire soi-même.

Citation:

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Envoyé par SRT100

D'accord à 90% avec toi, les 10% restants, c'est le niveau d'exigence. Qu'entends-t-on par repro? Jusqu'où veut-on aller? Les pros de la repros mettrons un maximum d'énergie pour aller chercher le plus possible de nuances, d'autres photographes ne verrons dans la repro qu'un calaloguage de référence qui doit donner une idée satisfaisante de l'œuvre. Et là, personne ne détient la vérité.

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Maintenant je sis d'accord avec toi.

La discussion est partie sur la perspective.

par contre, ce qu'on voit sur les photos du post initial, c'est une déformation en coussinet.
Ton logiciel photo doit le corriger (Lightroom le fait).

Le sujet a un peu été élargi c'est vrai!
Et en effet, les déformations ressemblent à un coussin.
Nous ne sommes pas encore équipés en logiciels, à part DPP, qui je crois, ne permet pas de corriger.
Lightroom ou DxO, comme me l'a conseillé "confrère niwen".

Pour le moment, je n'ai pas eu de commande de repros mais ça viendra, je pourrai alors appliquer (au macro 60mm) tous vos bons conseils.

Un petit retour d'expérience en guise d'énième remerciement. Et vos avis sur le setup en image sont les bienvenus.

Un peu par hazard avant-hier, le futur commissaire de notre prochaine exposition consacrée à la musique dans les Alpes me demande des photos d'objets et d'oeuvres. C'était l'occasion révée d'appliquer vos conseils et j'avoue que le résultat est au RDV.

D'abord, voilà mon studio pris vite fait avec le mauvais objo, provisoirement installé (depuis 2 ans^^) dans les réserves du conservatoire :

https://lh5.googleusercontent.com/-K...r%25202012.JPG

Nous avons 2 elinchrom day-lite 300W, une principale avec BAL, une pour déboucher avec parapluie.
A droite, le fond "altuglass" (vraiment le top pour éviter les soucis du papier) et un fond papier (assez inutile). Autour, un certain nombres d'objets rigolos que j'ai photographié auparavant. Les lumières étaient au-dessus des objets, la BAL au zénith droite et le parapluie horizontal à gauche.

Puis j'ai installé notre meilleur chevalet pour les oeuvres en 2d, en plaçant les flashes à hauteur du document vertical et assez loin. Réglées à 4.2 (sur 5.5). et bien sûr, à 5.5 (max) en ambiance.
En guise de fond, j'ai farfouillé dans les réserves pour trouver un carton-plume assez grand. L'avantage des réserves c'est de trouver des matériaux très funny-compatibles-photo, toujours de bonne qualité pour les sacro-saintes règles de la conservation (papiers neutres).

Je me place entre les 2 sources (entre deux étagères roulantes remplies d’animaux empaillés, miam-miam...), avec le macro 60mm, température 5600K, visée le plus horizontale possible (pas le temps d'utiliser le trépied).

Il ne nous manque que des niveaux à bulle et une charte des gris.

Au PT, les distorsions ont disparues. Bien qu'améliorable, ça fait plaisir d'obtenir un bon rendu.

Les nains de jardin font partie des collections? :lol:

Oui ! il y a même des boites de biscuits en carton avec des personnages musiciens que le collectionneur avait mis de côté. Il conservait tout ce qui avait rapport avec la musique traditionnelle. Donc la collection va d'une vielle à roue du XVIIeme jusqu'au nain de jardin accordéoniste. On a tout acquis.

Je viens de récupérer une photo du mois dernier que j'ai spécialement faite en fin de séance pour illustrer, alors la voilà.

https://lh6.googleusercontent.com/-K...5A9ment-29.JPG

Elle montre comment je place en dilettante nos éclairages. Ce qui me fait penser que dans l'énorme production studio des membres, il est rarissime de voir l'envers du décor ! (Mais ça se comprend dans le forum "albums" où sont montrés d'abord les résultats)

Comme toujours, je suis plus que preneur de vos conseils, liés à cette situation particulière et parallèlement à une formation photo que nous devrions suivre prochainement.

Le setup précédent (photo ci-dessus) était dédié aux oeuvres en 2D. Celui-ci concerne les objets en 3D.

Voilà mes réglages du boitier et des sources :

Je règle chaque source à 5.5 (le max) en continu pour y voir clair et entre 4 et 5 sur 5.5 en flash.
Je règle notre 7D en manuel ainsi : 1/125e - F/11 - 100 iso - kelvin 6500 - mesure évaluative. En général je fais la MAP au centre.
J'utilise le 60mm macro en priorité (pour éviter les distorsions) et si l'objet est plus grand, je prend le 17-55.

Selon la densité des objets, je joue uniquement sur l'ouverture : si l'objet est clair, je ferme jusqu'à F/16
(pour des vues plus "artistiques" ou des détails j'ouvre jusqu'au max)

Je place la BAL le plus en dessus de l'objet (ici le tambour), je considère que c'est ma source principale.
Le parapluie à gauche débouche les ombres, je le place horizontalement.

Voilà un exemple de mise en scène sans aucune retouche. Je trouve le résultat correct sans être pro. Alors si vous avez des conseils sur tout ça, je veux bien.

https://lh3.googleusercontent.com/-a...po-2013-05.JPG

ISO: 100
Exposition: 1/125 s
Ouverture: 11.0
Longueur focale: 60mm

Citation:

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Envoyé par Dolgo

Comme toujours, je suis plus que preneur de vos conseils, liés à cette situation particulière et parallèlement à une formation photo que nous devrions suivre prochainement...

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Pas mal déjà. C'est propre.
Je qualifierais tes photos comme "documentaires". Elle sont réalistes et servent à montrer un maximum de détail des objets.
A ce propos, si tu vas au bout de ta logique, les statues ne doivent pas se superposer.

Cependant, si tu veux améliorer ton travail, tu dois y ajouter une petite dose d'émotion.
Tu pourrais resserrer un peu le cadrage pour accentuer la présence de l'objet en te rapprochant un peu. Comme disait Frank Kappa, "jamais assez près".
Et enfin, utiliser les ombres et modeler l'éclairage. Les choses les plus difficiles, en fait.
En rapprochant l'éclairage principal, tu élargis la source lumineuse par rapport au sujet et rend l'ombre moins nette et le modelé meilleur.
Tu peux utiliser le deuxième flash pour "dessiner" les objets soit par réflexion sur le fond, soit par un éclairage très directionnel (moi, je fabrique en 3 secondes un tube de carton blanc que je mets sur le flash ce qui le transforme en canon à lumière).
Tu peux aussi utiliser du carton blanc pour déboucher les ombres ce qui te fait économiser un flash pour un usage plus spécifique.
Tu peux aussi faire un éclairage zénithal avec une boîte à lumière et utiliser le deuxième flash pour modeler...
Et ainsi de suite. Au fur et à mesure des essais, tu parviendras à donner plus de vie au sujet. Et c'est ça, l'important.

Merci, c'est pile ce genre de conseils que je cherchais.
Effectivement, les photos sont d'abord documentaires, nous utilisons ce matériel en priorité pour de la photo d'inventaire, la plus neutre possible, propre, descriptive, technique.
Quelque fois, je fais des vues plus "artistiques" mais c'est marginal, pour me "défouler" en fin de session. Mais sans doute qu'à l'avenir je pourrai plus me lâcher et diversifier les usages des photos.

Dans l'exemple ci-dessus, il ne s'agissait que d'identifier "vite fait" les statuettes pour envoyer la photo au scénographe qui devra les intégrer dans l'expo.
Sinon, je prend 1 cliché par objet.

Citation:

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Tu pourrais resserrer un peu le cadrage

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J'aurais eu tendance à laisser un peu d'air, mais c'est noté.

Citation:

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En rapprochant l'éclairage principal, tu élargis la source lumineuse par rapport au sujet et rend l'ombre moins nette et le modelé meilleur.

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Noté !

Pour le 2eme flash, je n'avais pas précisé que nous avons 3 accessoires pour un éclairage plus direct :
- une grille nid d'abeille
- un snoot
- de la tôle noire déformable

Je test l'éclairage zénithal et un modelage dès que possible (dommage que nous n'ayons pas de pied "giraffe" pour déporter la BAL).
Un prochain challenge consistera à créer un dégradé gris sur le fond, avec un canon à lumière (snoot)

Merci pour tes conseils !

N'oublie pas un accessoire essentiel: le réflecteur. En fonction du sujet, tu peux choisir un revêtement plus ou moins absorbant.
Exemple:
le classique carton blanc, renvoie une partie de la lumière du flash vers les ombres pour les "ouvrir".
Sur le même carton, une feuille de papier alu va renvoyer une lumière plus brillante pour relever des matières naturellement ternes comme la pierre ou le cuir.
Un carton noir va au contraire absorber l'excédent de lumière. Un carton de couleur va donner une légère dominante. Du bleu pour le verre...
Le reflecteur ne coûte presque rien, est facile à mettre en place, n'émet pas de lumière donc ne change pas radicalement l'exposition.

Quand on éclaire, il faut penser comme dans la nature. Il n'y a qu'un soleil. Le ciel et les nuages servent de diffuseurs. Les murs, l'eau, la neige de réflecteurs.
Ce qui n'est pas beau dans l'éclairage artificiel, c'est l'artificiel.
Au contraire, on peut créer un éclairage artificiel sur le concept de la photo d'intérieur. Les bougies d'une église, les spots d'un salon, les enseignes, l'éclairage des monuments. Dans ces cas précis, l'éclairage sert plus à dessiner qu'à éclairer. Pense-s-y.

Excellent. En même temps qu'une bonne logique, c'est du grand art que tu suggère ! Je n'y suis pas encore, même si je compte bien utiliser notre studio, comme je l'ai déjà fait, pour mes propres envies (après ma journée de travail évidemment :D).

Dans les bureaux, je vois un tas de jeunes filles qui méritent leur book, et si ça ne marche pas, je collecterai des araignées...

Très bonne idée pour l'aluminium sur les matières ternes, d'autant que j'ai mis de côté des grands cartons blancs (papier plume) Pour le moment, je n'ai qu'un réflecteur, le petit réflecteur blanc que je montre sur la photo ci-dessus devant le parapluie.
En prochain achat, pour le bien public, je pense demander un kit complet dans les dimensions et les couleurs (gris, argent, or et noir) et des accesoires de complément : filtre polarisant pour les oeuvres encadrées, niveaux à bulles pour la 2D, charte des gris (même si à 5600°k je suis bon).

Dernier détail du setup : je vais ajourer à coup de scie sauteuse la table en dessous de l'altuglass. Cela permettra d'éclairer par dessous et d'imaginer beaucoup.

belle description du travail sur la lumiere

Avec 2 flashes de 300W, des débutants comme moi ont vite fait d'oublier l'importance des réflecteurs.

J'ajouterais deux petits compléments:
• la différence entre réflecteur et diffuseur. Le premier renvoie une partie de la lumière reçue. Le second retient et disperse la lumière qui le traverse.
On peut donc avoir un parapluie qui soit diffuseur ou réflecteur (les paraflashs à fond argenté ou doré par exemple).

• ne pas abuser du diffuseur. Le soleil est un éclairage direct. Il tranche net, précis. Il donne du détail à la surface d'une matière. Les nuages qui passent devant vont réduire cet effet de netteté. Vous l'avez sûrement remarqué. Avec le diffuseur, c'est pareil. Autant un grand bac à lumière va inonder la scène d'une lumière uniforme, autant l'objet à besoin d'être sculpté par la lumière. C'est la partie la plus difficile à gérer; l'éclairage direct engendrant des ombres nettes. Je conseille le visionnage d'un bon film noir et blanc des années 30. Le summum dans l'utilisation de la lumière artificielle.

Jusqu’à présent nous utilisons uniquement de l’éclairage diffus sur les deux sources. Comme tu l'as mentionné plus haut, j’essaierai de modeler, en utilisant une lumière moins diffuse en second éclairage (snoot, nid d'abeille...).
C'est un métier ! Je testerai des setups avec les bols + nid d'abeille, la difficulté sera de gérer la puissance et la distance du flash!
Merci pour les précisions,

Salut à tous !
Certes mon message initial a déjà 8 mois d'âge mais j'ai encore deux/trois choses à exprimer. J'espère que les protagonistes comprendront mon message. Et aussi que tous ces messages pourront aider les gens dans ma situation !

De 1 : encore merci. Que de chemin parcouru ! Vos réponses de pros m'ont énormément aidé et confirment ce que m'a expliqué un photographe. Aujourd'hui j'ai fait des repros d'affiches encadrées (une de nos meilleures collections -style "PLM" des années 50, très belles affiches originales, pleines de couleurs, lac d'Annecy, gorges du Giffre, châteaux, etc.), tout en "formant" des collègues et le résultat est là. Rien à voir avec ce que l'on faisait avant.

En résumé, voilà mon setup actuel :
- 60 mm macro
- entre F/11 et F/16 à 1/125 et iso 100 - WB manuelle à 5600K (température des 300RX = 5650K)
- Liveview : réglage du cadrage en AV puis M puis shoot. (et il faut décaler le trépied sur la droite pour garder le capteur en face du centre de l’œuvre.
- LONGS réglages : niveau à bulle du trépied + niveau à bulle rotule + niveau intégré du 7d (je l'appelle "AfterBurner" :D ) + niveau à bulle horizontal et vertical (niveau à bulle de chantier) sur l'oeuvre, cette dernière disposée sur un chevalet vertical (de la meilleure qualité, en chêne, j'ai déjà posé un tableau de Brueghel -waouw!- de 30Kg dessus)
- BAL à pleine puissance et à 45° des bords de l'oeuvre à environ 3 mètres (je compte les carreaux du sol)

De 2 : encore une question. Alors que je pensais maîtriser mon affaire, voilà que je me suis emmêlé les pinceaux tout à coup sur les *modes de mesure*. Voilà le truc que je ne comprends pas (ça n'empêche pas que je remercie SRT100 pour sa compétence) :

Citation:

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Pour la mesure, tout dépend du type d'œuvre.
Tu pourrais utiliser la mesure moyenne pour une œuvre aux tons mélangés et contrastés, par contre, une œuvre à dominante de couleur sans grand contraste risque de tromper la cellule. Dans ce cas, j'utiliserais une mesure spot sur un carton gris clair posé au milieu de l'œuvre.
Mieux, un flashmètre en lumière incidente (avec la bulle blanche, placé près de l'œuvre et recevant la lumière des flashs). Dans ce cas tu obtiens une mesure parfaite pour tous types d'œuvres.
A noter qu'une œuvre peinte ou imprimée n'offre que rarement un contraste supérieur à 8 bit (256 niveaux de gris).
La plupart des capteurs offrent de 12 à 14 bit en RAW, un écart de mesure de 2-3 diaph est donc très facilement corrigible.

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Au-delà des contrastes et des bits, il y a des choses qui m'échappent !!!

Puisqu'on shoote en manuel, peu importe la mesure, non ?
A mi-course, on règle l’AF. Mais en manuel, je ne vois pas ce que l’on règle d’autre, puisque l’exposition est déterminée (1/125e – F/13)

J’ai testé une mesure moyenne et une évaluative sans constater de différences. Le rendu des contrastes et des couleurs semble identique.

Merci d’être arrivés au bout de mon pavé ! Et bien sûr, une lumière sera bienvenue.

Je pense que si ta scène est éclairé de façon homogène et que les contrastes le sont aussi plus ou moins, tu ne verras aucune différence entre une moyenne et une evaluative.
Quand on est en manuel, on ne s'en fout pas de la mesure d'expo, même si tu choisis tout les paramètres, ton barregraph te donne quand même une indication en fonction de la mesure choisie.

Citation:

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Envoyé par Ldo

Je pense que si ta scène est éclairé de façon homogène et que les contrastes le sont aussi plus ou moins, tu ne verras aucune différence entre une moyenne et une evaluative.
Quand on est en manuel, on ne s'en fout pas de la mesure d'expo, même si tu choisis tout les paramètres, ton barregraph te donne quand même une indication en fonction de la mesure choisie.

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Absolument.
Après une expo test en mode M, tu peux lire le barregraph pour vérifier que tu n'as ni sous- ni sur-exposition, c'est facile.
En principe, comme je l'expliquait avant, contrairement à un paysage ensoleillé, une œuvre peinte ou imprimée ne présente pas un contraste supérieur à 8 bit. Ton barregraph se situera donc au entre les extrêmes.
Je lisais il y a quelques jours que le capteur de l'EOS, annoncé à 14 bit n'en enregistre effectivement que 12 réels. (C'est le capteur Sony qui fait les meilleurs scores en reflex actuellement mais pour la repro, cela n'a aucune importance).

Autre solution: mesurer en spot sur le tableau devant lequel tu auras placé un carton gris à 18% de valeur. La mesure de la cellule sur ce 18% devrait te donner l'expo juste. Evidemment, après avoir retiré le carton tu utilises les mêmes paramètres d'expo.

Il me reste encore un détail à préciser pour la repro en général (si je ne l'ai déjà fait).
Concernant le blanc du papier.
Il y a un réel choix à faire.
Soit on considère que le support papier est le blanc de référence et dans ce cas, il suffit de le prendre comme référence de la couleur la plus claire, pour une affiche par exemple. Et si le papier a un peu jauni, on pourra corriger ainsi la légère dominante.
Soit on considère que le support papier fait partie intégrante de l'œuvre, comme sur une aquarelle et là, il faut choisir un blanc absolu par rapport à la teinte réelle du papier.
Dans le cas de l'aquarelle ou du fusain, le papier est parfois de couleur crème avec du relief. Si on le prend comme blanc de référence, les faibles nuances de couleur risquent de s'affaiblir et de nuire au rendu de l'œuvre.
Ce n'est pas évident et cela demande de la réflexion (ou réflection?) et du doigté.

J'ai un problème (pas bien grave mais je suis curieux) et je me demande si c'est dû à ma compréhension globale du fonctionnement du boitier ou vous qui êtes plus avancés et formés (depuis l'argentique).

Ldo, quand tu parles de barregraph, c'est bien le résultat, donc l'exposition. En manuel, on voit le résultat sur le graph, mais ce résultat est identique que ce soit en spot, moyenne ou pondérée n'est-ce pas? On ajuste son exposition ensuite, selon ce qui est cramé ou bouché. Je me questionne sur les modes de mesure, pas sur l'exposition !

Selon moi à 1/125e – F/13 *imposé* (donc manuel) les modes de mesure sont inefficients, puisqu'on oblige le boitier, qu'importe si il mesure un point ou l'ensemble. Par contre, les modes changent tout dans les modes AV ou TV. C'est cette réflexion que je me suis faite aujourd'hui. (je suis plus souvent paysagier que studioiste) C'est pour ça que l'on peut corriger l'expo en AV mais pas en M.

Exemple du jour : je suis à F/11, je shoote, mon affiche me semble claire. Je contrôle le graph, c'est trop à droite. Je passe à F/16, c'est meilleur, plus dense. Mais que ce soit en "spot", pondéré ou moyenne ne change rien. Me gourre-je?

SRT100 : tu confirmes parfaitement. En fait, je n'ai rien à confirmer, puisque dans le cas de la repro, j'impose l'exposition avec le couple flashes/boitier. Je la pondère seulement en fonction de ce qui est cramé à droite ou bouché à gauche. Dans ton exemple de la couleur des supports cela me parle, bien sûr. Mais il me semble c'est relatif à la balance des blancs, pas à la mesure. Récemment, j'ai eu la chance de réaliser une repro en travaillant avec ma conservatrice, elle m'a expliqué son analyse de la scène pendant que photographiais une oeuvre du XVIème s, le célèbre "Massacre des Saint innocents" de Pieter Brueghel. Nous avons la chance d'en avoir un dans nos réserves. Le massacre des innocents
Il s'agit d'une huile sur 3 panneaux bois. La neige est donc aussi vieille que la Joconde, elle est jaune. Pour être fidèle, j'ai simplement gardé ma BDB aux 5600K. Quelque soit l'oeuvre, ses couleurs et ses contrastes, j'aurai la meilleure fidélité à ces 5600 kelvin. Et la mesure n'aura pas d'importance.

Conclusion (?), êtes-vous d'accord avec moi pour dire que :

-->> Avec une BDB et une exposition manuelle, le mode de mesure n'influe pas.

Si j'ai affirmé des bêtises, vous pouvez crier. Oui ou non, un grand merci à vous. Il semblerait que la photo soit un métier...

PS : pour vous remercier je suggère une balade vers notre visite virtuelle http://culture74.fr/visite-virtuelle/START.html je suis responsable scientifique mais heureusement que c'est un pro qui a fait les photos ;)

Juste une réflexion à ta réflexion qui m'a un temps interpellé également
Sur certains boîtiers, tu peux diriger ton expo manuelle, en évaluative, sélective, pondérée centrale ou spot ....
Les gens de la maison: d'en face ont la possibilité de corriger l'expo en mode manuel .... :D
Bonne nuit .... ihihihiii, les réponses ne vont pas tarder à arriver ... ;))